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Freddy Mercury

Freddy Mercury,para mi es la mejor voz que ha tenido el rock..y perdurara por siempre.
Lo que voy a colocar a continuación es de un amigo  que coloco en un foro y decidí traerlo aquí,para que no se perdiera..su información,esta es una de las Biografías de Freddy Mercury,que contiene detalles que desconocía de el
Con QUEEN y Freddy Mercury empezó mi amor a el rock,a mediados de los 80´s.

Freddie Mercury nace el jueves 5 de septiembre de 1946 en la pequeña isla de Zanzíbar cuya principal actividad económica son las especias. Sus padres, Bomi y Jer Bulsara, eran parsis de la India. Su padre, Bomi, era un funcionario que trabajaba para el gobierno británico como cajero de la Corte Suprema. La hermana de Freddie, Kashmira Bulsara-Cooke, nació en 1952.

                                          




En 1954, cuando tenía 8 años, Freddie fue enviado a Panchgani, a unos 75 kilómetros de Mumbai. Fue allí cuando sus amigos empezaron a llamarlo Freddie, nombre que también fue adoptado por los miembros de su familia.
A los 17 años, Mercury y su familia huyeron de Zanzíbar por razones de seguridad debido a la Revolución de Zanzíbar. La familia se mudó a una pequeña casa en Feltham (Middlesex, Inglaterra).
Mercury se inscribió en la universidad de West Thames, donde estudió arte. Recibió allí un diploma en Diseño Gráfico y más adelante usaría su habilidad para crear el logotipo de Queen. Mercury permaneció radicado en Inglaterra durante el resto de su vida.
Como la escuela de San Pedro era un colegio inglés, los deportes que se solían practicar allí eran típicamente ingleses. Freddie odiaba a muerte el cricket y las carreras de larga distancia, pero sin embargo amaba el hockey, las carreras de corta distancia y el boxeo. Cuando tenía 10 años se proclamó campeón de tenis de mesa en su escuela. Pero él no era sólo un deportista, sus cualidades artísticas eran excelentes. A los doce años de edad fue galardonado con el trofeo de la escuela por su regularidad como deportista más joven. Amaba el arte y siempre estaba imitando para sus amigos y sus familiares.
También estaba loco por la música y siempre solía escuchar música en el viejo tocadiscos de la casa y apilaba los sencillos para ponerlos una y otra vez. La música que podía tener era principalmente producida en India pero también podía escuchar música de los países occidentales. 
El nunca olvido sus raíces
El director del colegio de San Pedro ya se había percatado del talento que Freddie tenía para la música y les sugirió a sus padres que pagaran un poco más para que pudiera tener una verdadera instrucción musical. 
Ellos aceptaron y Freddie empezó a aprender a tocar el piano. También formó parte del coro de la escuela y participó de forma habitual en las producciones teatrales que organizaba la escuela. Amaba sus clases de piano y se esforzaba en cada una de ellas con empeño y con clase. Tanto es así que consiguió la nota más alta tanto en la parte práctica como en la teoría.
En 1958 varios alumnos de la escuela, Freddie Bulsara, Derrick Branche, Bruce Murray, Farang Iraní y Victory Rena, formaron la banda de rock'n'roll que se llamó The Hectics, y en la que Freddie era el pianista. Solían tocar en las fiestas anuales y los bailes organizados por el colegio pero poco más se sabe de ellos.

En 1962 Freddie acabó sus estudios y volvió a Zanzíbar donde pasó la mayor parte de su tiempo con amigos yendo a mercados, parques y playas. En 1964 debido a la inestabilidad política en Zanzíbar, muchos británicos y personas originarias de India abandonaron su país debido a la gran presión que se ejerció sobre ellas. Una de las familias que abandonó el país fue la de los Bulsara que huyeron a Inglaterra. 
Freddy Mercury era una persona muy carismática del tipo que nunca se podía decir de el con poca personalidad o talento ya que el lo desbordaba por doquier.
Fue muy estudiado de hecho por sus estudios se ve su vena creativa (diseñador gráfico) es más uno de los logos mas emblematicos de Queen fue diseñado por él basado en los signos zodiacales de Briam, Jhon y Roger!


Primeros Años en Gran Bretaña

Al principio Freddie y su familia vivieron con sus primos en Felthan (Middlessex), hasta que finalmente encontraron una pequeña casa adosada en esa misma zona. Freddie tenía 17 años y decidió que quería ir a la facultad de arte, pero para poder ser aceptado necesitaba tener una nota muy alta. 

Es por ello por lo que en 1964 se matriculó en la escuela politécnica de Isleworth que estaba cerca de su casa. De esa manera él pensaba que mejoraría sus notas en arte y podría obtener una nota más alta. 

Durante las vacaciones, estuvo haciendo varios trabajos para ganar algún dinero; uno de ellos fue en el restaurante del aeropuerto de Heathrow, muy cerca de su casa. Otro fue en la agencia de comercio Feltham, donde trabajó en un almacén cargando y apilando cajas enormes. 
Sus compañeros de trabajo recuerdan lo delicadas que parecían sus manos, desde luego no las más idóneas para el tipo de trabajo que él estaba haciendo allí. Freddie les decía que él era un músico que estaba allí simplemente «para matar el tiempo».

Estudió mucho, aunque él prefería la parte estética de la vida escolar en lugar del aspecto mundano. Consiguió la máxima nota en su clase de arte sin problemas y se fue de Isleworth en la primavera de 1966. Sus calificaciones y su talento aseguraban que sería aceptado en el Ealing College of Art en septiembre de ese mismo año.
Después que Jimi Hendrix (de quien Freddie era un fan enloquecido) saltara a la escena en 1967, Freddie dedicó mucho tiempo a imitar y a dibujar a su héroe; dibujos que enmarcaba y usaba para decorar las paredes del piso que había sido arrendado por su amigo Chris Smith y al que Freddie se había mudado una vez dejó la casa de su familia en Feltham. En aquella época Kensington era un lugar importante para el arte de masas, era el lugar donde se encontraba la famosa boutique Biba y el lugar de nacimiento del mercado Kensington que era frecuentado por los entonces llamados in crowd (seguidores de los conciertos de masas). 
Un compañero de estudios en la universidad de Ealing era el bajo Tim Staffell, de quien Freddie llegó a ser muy amigo. Tim lo llevó con él a muchos ensayos de los Smile, que era como se llamaba su banda y que estaba compuesta por Brian May a la guitarra y Roger Taylor en la batería. 
Freddie se llevaba muy bien con Brian y Roger y realmente le gustó el sonido que tenían los Smile. Inspirado por ellos Freddie empezó a experimentar con música por primera vez desde que abandonó India.
Al principio empezó a tocar con Tim, otro estudiante de arte, Nigel Foster, y Chris Smith. Chris recuerda que «la primera vez que yo escuché cantar a Freddie me impresionó». Tenía una voz extraordinaria. Y aunque su piano sonaba un poco afectado, muy a lo Mozart, todavía tenía un gran toque. 

«Desde el punto de vista de un pianista, su enfoque era algo único».

«Pronto Freddie y yo nos pusimos a escribir trozos de canciones que luego intentábamos unir», añade Chris. «Esto se entiende si piensas en la canción 'Bohemian Rhapsody'. Fue interesante la manera en la que salíamos de una canción y entrábamos en otra. Pero la verdad es que no creo que nunca acabáramos nada.
 Freddie me enseñó muchísimo en aquellas sesiones. Tenía un sentido de la melodía inmenso, natural. Es algo que vi enseguida. Yo creo que éste era el aspecto más interesante de lo que él estaba haciendo».

Freddie acabó sus estudios en la universidad de Ealing en junio de 1969, con un diploma en diseño y artes gráficas. 
También le ofrecieron varios trabajos para el diseño de varios anuncios en periódicos locales. En ese verano se mudó al piso de Roger Taylor y ambos abrieron un pequeño puesto en el mercado de Kensington, donde al principio vendían obras de arte hechas por él mismo y por otros compañeros suyos de Ealing. Más tarde también empezó a vender ropa de estilo victoriano, tanto nueva como de segunda mano, y cualquier cosa que encontrara.


Durante el verano de 1969 Freddie conoció una banda de Liverpool llamada The Ibex que habían ido a Londres para intentar hacerse famosos. Los Ibex estaba compuesta por tres músicos: el guitarrista Mike Bersin, John Tupp Taylor como bajo y Mick Miffer Smith a la batería. Con ellos también estaba su mánager, que no tenía mucha experiencia en este trabajo y que era como un burro de carga. También tenían un bajo, Geoff Higgins, que tocaba con ellos de vez en cuando. Geoff solía tocar el bajo cuando Tupp, un admirador de los Jethro Tull, decidía tocar la flauta.

Freddie conoció a los Ibex por primera vez el 13 de agosto de 1969, y se entusiasmó tanto con ellos que 10 días más tarde ya había aprendido el repertorio de canciones de la banda, compuso nuevas canciones y viajó con ellos a Bolton en el condado de Lancashire, donde tuvo su primer debut en un concierto. 

La primera vez fue la noche del 23 de agosto con ocasión de una serie de conciertos denominada Bluesología que tenía lugar en el Octogon Theatre de la ciudad. El 25 de agosto Ibex participaron en la apertura, un espectáculo al aire libre que tuvo lugar en el Queen Park (Parque de la Reina) de Bolton. El periódico Evening News de Bolton se hizo eco de los preparativos de este concierto e incluso incluyó una foto de Freddie que parece difícil de creer que es él. 




Mientras una foto quedó como recuerdo del viaje de Freddie con los Ibex a Bolton, la aparición de los Ibex en escena quedó grabada en una cinta, que pone de manifiesto el amor de los Ibex por los Cream, Jimi Hendrix así como por el grupo favorito de Freddie en aquel momento: Led Zeppelin.
Entre el 9 de septiembre y 
finales de octubre de 1969 los Ibex hicieron alguna pequeña aparición tras ser convencidos por Freddie. 

Líder de su primera banda

Le ofrecieron el trabajo y a finales de 1969 Freddie se convirtió en el líder de los Sour Milk Sea. Los otros miembros de la banda eran Chris Chesney como vocalista y guitarra, el bajo Paul Milne, Jeremy Rubber Gallop a la guitarra rítmica y Rob Tyrell a la batería. Hicieron algunos ensayos y dieron algunos conciertos en Oxford (la ciudad natal de Chris).
 Freddie y Chris, que tenía 17 años en aquel momento, llegaron a ser muy buenos amigos y se mudó a la casa que Freddie compartía con Smile en Ferry Road, Barnes. Los otros miembros de Sour Milk Sea estaban un poco molestos porque Chris y Freddie pasaban juntos demasiado tiempo y no sabían muy bien cuál podría ser el futuro de la banda. Dos meses más tarde Jeremy, que era el propietario de casi todo el equipo, decidió quedarse con el equipo y disolver la banda.
En abril de 1970 Tim Staffell decidió dejar los Smile y Freddie decidió unirse con ellos para ser el nuevo cantante principal. Freddie optó por cambiar el nombre de la banda, que pasó a llamarse Queen, así como su primer apellido, que a partir de hora sería Mercury.

En 1970 Freddie conoció a Mary Austin con quien viviría durante siete años, como pareja.


¿Como incidía en el grupo la homosexualidad de Freddie?

Brian May:"No sabía que Freddie Mercury era gay" 

En los  primeros años,no sabiamos demasiado. Y soliamos compartir las habitaciones,asi que yo me hubiera enterado si era gay entonces! Ademas,Freddie tenia unas chicas que eran unas diosas.Pero luego empezo a llevar una vida social distinta. Se iba y nos decia "los veo despues".

 Alentado por ciertas personas,como nuestro manager personal,fue metiendose en circulos a los que no hubiera ido si no le abrian sus puertas. Igual creo que se hubiera encontrado a si mismo de una forma mas gradual,sin que se lo hicieran explotar en sus narices.La gira con Mott the Hoople fue la primera oportunidad que experimente sexo a gran escala.Y no por decision mia.Me sentia sin control.
Lo mismo le paso a Freddie,pero en direccion gay.
Esto no cambio nuestra relacion.
Seguimos muy unidos.
Y en las canciones de amor no haciamos ninguna distincion. Pero a partir de Jazz,estaba preocupado,porque tenia que escribir temas que Freddie pudiera cantar.
Discutiamos muchos cuando sus letras eran gays.
Yo no queria que nadie se sintiera excluido.Me senti asi con Body Languaje.
Era un abierto himno gay. A ciertos fans del hard rock les debe haber resultado dificil la imagen mas abiertamente gay de Freddie... Y ...si.Pero no deberia importarles.

Todo el mundo tiene su propia quimica sexual.No se puede atacar a alguien por tener deseos en tal o cual dirección.
Porque no se tiene control sobre esos deseos. ¿O si? Es como atacar a alguien por tener una nariz larga.
Uno juzga a la gente por la forma como se maneja con las cartas que le tocaron.
Y el heavy metal tiene en ese sentido,algo de jactancia machista,por las cosas osadas como " que hiciste anoche con tu chica?"
AC/DC es una terapia absoluta .
Uno ve su show y queda sordo por una semana.Es maravilloso. Brian May.


Freddy Mercury y Mary Austin

A principio de la década de 1970, Mercury tuvo una relación de larga duración con Mary Austin, a quien conoció gracias a Brian May y vivió con ella muchos años en West Kensington. A mediados de dicha década, el cantante tuvo un encuentro amoroso con un ejecutivo de la compañía Elektra Records, que acabó con la relación que tenía con Austin. Mercury y Austin mantuvieron una cercana amistad a lo largo de los años y el cantante se refería a ella como su única amiga de verdad. En una entrevista de 1985, afirmó: "Todos mis amantes me preguntan por qué no puedo reemplazar a Mary Austin, pero eso es sencillamente imposible. La única amiga que tengo es Mary y no quiero a nadie más. Para mí, ella es como una esposa. Para mí era como un matrimonio. Confiamos en el otro, eso me basta".



Escribió muchas canciones sobre Austin, entre las cuales se destaca "Love of My Life".


 Mercury fue además el padrino del hijo mayor de Austin, Richard. En su testamento, Mercury legó la mayoría de sus bienes, incluyendo su casa y los derechos de autor sobre sus canciones, a Mary Austin, y el resto a sus parientes y a su hermana Kashmira. 
Además dejó quinientas mil libras para su cocinero Joe Fanelli y la misma suma para su asistente Peter Freestone y Jim Hutton, y cien mil para su chofer Terry Giddings. Mary Austin continúa viviendo en la casa de Mercury, llamada Garden Lodge, en Kensington con su familia.
En mayo de 1983 Freddie asistió a una actuación de Un ballo in maschera de Giuseppe Verdi en la Ópera Real. Era la primera vez que veía a la diva de la ópera Montserrat Caballé pero la fuerza y la belleza de su voz le hipnotizó. En 1984, Queen regresa con energías renovadas y olvidándose en parte del funk y el disco, para regresar a la música que les hizo famosos en los 70, pero ya sin abandonar el pop.

El 10 de septiembre de 1984 fue lanzado el primer sencillo en solitario de Freddie. Fue el tema que había compuesto con Giorgio Moroder para Metropolis: Love Kills. 
El primer sencillo de su álbum en solitario todavía sin editar fue I Was Born To Love You. Esta canción fue estrenada el 8 de abril de 1985. Tres semanas más tarde el primer álbum de Freddie en solitario fue lanzado por la CBS Records con el título Mr. Bad Guy. No obstante, el disco fue un fracaso comercial. 

 El 13 de julio de 1985 fue un día especial para Queen y para Freddie. Fue el día de Live Aid (Ayuda en directo) que fue retransmitido en directo a más de mil millones de personas de todo el mundo. Queen se aseguró su propio lugar en la historia como reconocieron periodistas, fans, críticos y público en general. En 1986 tuvo lugar la última gira de Queen. 

El Magic Tour recorrió Europa durante dos meses, acabando en Knebworth Park, el 9 de agosto. Esa fue la última actuación en directo de Freddie Mercury con Queen.

Ultimos Años 

Durante los primeros meses de 1987, Queen el grupo se tomó un tiempo de descanso por lo que Freddie aprovechó para grabar un trabajo en solitario en los estudios Townhouse. Entre otras canciones, grabó una reedición de la vieja canción de The Platters llamada The Great Pretender. El single fue lanzado el 23 de febrero. También grabaría varias canciones para el musical Time.  En marzo de 1987, Freddie voló a Barcelona para conocer a Montserrat Caballé. Él le dio una cinta de cassette con dos o tres canciones. A la diva catalana de la ópera le gustaron e incluso cantó una de ellas en el Covent Garden de Londres. 

Freddie quedó sorprendido y, a principios de abril, empezó a trabajar en un álbum que grabaría con Montserrat Caballé. Sobre esta experiencia Mercury diría en una entrevista:

«Este último par de semanas he estado trabajando con esta increíble mujer, ella es una gran estrella de la Ópera, su nombre es Montserrat Caballe, ella viene de Barcelona y me llamó y me dijo que le gustaría cantar conmigo , yo me caí de espaldas y pense 'Oh, Dios Mio', pero la adoro desde hace años, y creo que se dio cuando viaje recientemente a Barcelona y en un programa de televisión me preguntaron..y yo dije bueno ella es la mejor cantante del mundo y me encantaría poder cantar con ella, así que ella lo debe haber visto. Llamo a la oficina y dijo que le gustaría hacer cosas». 

A finales de mayo la isla de Ibiza acogió un gran festival de música en el Ku Club. Freddie había aceptado ser un invitado de honor y clausurar el evento con Montserrat Caballé cantando la canción que él había escrito para ella y para su ciudad natal, Barcelona. Más tarde, el Comité Olímpico Español decidió que el single fuera el himno oficial para los Juegos Olímpicos celebrados en Barcelona en 1992. 
El 8 de octubre de 1988 Freddie y Montserrat aparecieron en un escenario al aire libre en el festival de Barcelona conocido como La Nit (La noche). 

Cantaron tres canciones del álbum que todavía no había sido editado, How Can I Go On, The Golden Boy y Barcelona, acompañados por Mike Moran al piano. Fue la última vez que Freddie actuó en un escenario con Caballé, cantando en playback. El tan ansiado álbum Barcelona finalmente salió el 10 de octubre. La última vez que Freddie cantó en vivo había sido el 4 de abril en el Dominion Theatre, en el Musical Time un evento de caridad en el que Freddie interpretó cuatro canciones, una de ellas junto a su amigo Cliff Richard.
                
Su última aparición pública fue en una entrega de premios, en los Brit Awards de 1990, ocasión en la que porto un traje color celeste y solo se dirigió al publico para decir «Gracias, buenas noches», aunque se conservan imágenes posteriores a dicho acto. 

Tiempos grises para la banda corrían, la enfermedad de Freddy era ya evidente y sus dolencias aumentaban, dolores insoportables cubrían el cuerpo de Freddy el cual nunca dejaba que este disminuyera su voluntad por la vida y su pasión por la música, ya el sida daba sus ultimas batallas en su cuerpo la cual ya sabia ganada su guerra. El 23 de noviembre de 1991 anunció al mundo que padecía de SIDA mediante un comunicado de prensa que fue blanco de muchas especulaciones.

El mismo decía:  «Respondiendo a las informaciones y conjeturas que sobre mi han aparecido en la prensa desde hace 2 semanas, deseo confirmar que he dado positivo en las pruebas del virus y que tengo SIDA. He procurado mantener oculta esta información para proteger mi vida y la de quienes me rodean, pero ha llegado el momento de que mis amigos y fans de todo el mundo conozcan la verdad y espero que todos se unan a mi, a mis médicos y a todos cuantos luchan por combatir esta terrible enfermedad». 



El 24 de Noviembre de 1991, horas después del anuncio de su enfermedad, Freddie muere de bronconeumonía multilobar que no soportó debido a su estadío avanzado de SIDA en presencia de su pareja y del cantautor Elton John en su casa de Garden Lodge en Londres. 



Su último deseo fue el relanzamiento de Bohemian Rhapsody con el objeto de recaudar fondos para la lucha contra el SIDA. Después de su muerte, se continuó con la edición de gran cantidad de material que Mercury había dejado preparado. Su última aparición en cámara fue en el video clip These Are The Days Of Our Lives. 

 Nota final. Jim Hutton fue la ultima pareja que vivió junto a Freddie Mercury durante sus últimos seis años de vida. Jim Hutton ha muerto de cáncer con 60 años, a tan sólo 3 días de cumplir los 61 y ya ha sido enterrado en Carlow, Irlanda, su pueblo natal. 

Jim Hutton, que era peluquero, estuvo acompañando a Freddie Mercury durante su enfermedad y estuvo presente en su lecho de muerte en 1991. Hutton dio positivo durante un test del VIH en 1990 pero no se lo dijo a Freddie hasta prácticamente un año más tarde. Freddy Mercury le dejó a Jim Hutton medio millón de libras mientras que el resto de su herencia fue a manos de Mary Austin, una antigua novia de Freddie que acabó por convertirse en su mejor amiga y una constante durante toda su vida. 
El  1 de enero de 2010 fallece victima del cáncer .

 Espero que allá donde estén puedan seguir siendo felices como en vida fueron. El mejor rockero, con la voz mejor voz del rock.


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Frases de Freddy Mercury

Jimi Hendrix

Jimi Hendrix | The Official Jimi Hendrix Site:
http://www.jimihendrix.com/us/home

James Marshall "Jimi" Hendrix (nacio como Johnny Allen Hendrix en Seattle en Estados Unidos27 de noviembre de 1942 – LondresInglaterraReino Unido18 de septiembre de 1970) fue un guitarristacantante y compositor estadounidense.
 Es considerado y citado frecuentemente por varios artistas, por diversas revistas especializadas en música, por varios críticos y la prensa en general y por la admiración y el cariño de la gente como el más grande guitarrista de la historia del rock and roll, además de ser uno de los mayores innovadores y más influyentes artistas en una gran cantidad de géneros.
Hendrix fue introducido en el Rock and Roll Hall of Fame en 1992.
                       
 En el año 2003, la revista Rolling Stone lo eligió como el mejor guitarrista de todos los tiempos  y en 2004 lo incluyó en su lista de los mejores artistas de toda la historia (n.º En 2009, la revista estadounidense Time lo situó como el mejor guitarrista de guitarra eléctrica de la historia, por delante de B. B. King, Slash, Chuck Berry, Keith Richards y Eric Clapton, entre otros.
Igualmente, en 2003 la revista especializada británica Total Guitar, con el voto de más de 4000 lectores, eligió a Jimi Hendrix como el mejor guitarrista de la historia del rock. Además posee el mejor riff en la historia de la música por su canción «Voodoo Child» según una encuesta realizada en 2009 por la página especializada británica Music Radar, superando a otras bandas de renombre como Metallica, Guns N' Roses, Led Zeppelin y Deep Purple, entre otras.


Su infancia la vivió con su abuela y con su padre, tras la separación de sus progenitores.
Cuando tenía diecisiete años, su padre le compró su primera guitarra eléctrica. Como era zurdo, tuvo que adaptar las cuerdas de forma que le resultara más fácil tocar.
Jimi Hendrix empezó a destacar como un virtuoso de la guitarra, pero se vio obligado a abandonar la escuela para ayudar a su padre en el 
 trabajo y, finalmente, se alistó en el ejército, donde conoció a Billy Cox.


Los dos amigos comenzaron a colaborar con varias bandas, recorriendo muchas ciudades a lo largo de los Estados Unidos.
En 1966, uno de los miembros de 'The Animals', Chas Chandler, se fijó en él y llegaron a un acuerdo para que fuera su mánager.

Juntos, crearon el grupo 'The Jimi Hendrix Experience', con el que grabaron cuatro álbums y un montón de recopilaciones y discos en directo.
Anteriormente, Jimi Hendrix había colaborado como guitarrista con artistas de la talla de Sam Cooke, Ike & Tina Turner o los Isley Brothers.



Con su novia Kathy.1969
Uno de sus momentos cumbres lo vivió durante el concierto de Woodstock de 1969, cuando le prendió fuego a su guitarra, arrodillándose ante ella y levantando los brazos como si estuviera en trance.
Las presiones de las giras y las actuaciones llevaron a Jimi Hendrix a utilizar drogas y estimulantes para mantener su nivel en los conciertos. En 1969 la banda se disolvió y Jimi Hendrix comenzó a tocar en solitario.

En 1970 estaba grabando su cuarto álbum, "First Rays of The New Rising Sun" en Londres. Se planeaba un álbum doble (por la gran cantidad de canciones, tomas y demos). Pero en la madrugada del 18 de septiembre de 1970, Jimi Hendrix ingirió una mezcla de somníferos y alcohol y murió al parecer por aspiración de vómito. Años después, luego de investigaciones, se supo que, en realidad, el músico no había muerto en el momento y con su propio jugo gástrico. Si no que en realidad, cuando lo llevaban en la camilla, James Marshall quería voltear la cabeza para poder devolver en el suelo y el camillero colocó su cabeza fuera de la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento. Existen diferentes versiones sobre su muerte, aunque no están probadas oficialmente.

El legado musical de Hendrix ha sido trascendental para el desarrollo de la música rock, influyendo a muchos artistas en sus creaciones.

Álbumes originales de Hendrix (1967 - 1970) 

Are You Experienced?  26 de agosto de 1967

Axis: Bold as Love 10 de febrero de 1968

Electric Ladyland  19 de octubre de 1968

Band of Gypsys 2 de mayo de 1970

Leer más en :
Discografía de Jimi Hendrix


Valleys Of Neptune es el undécimo álbum de estudio póstumo de la leyenda del rock psicodélico Jimi Hendrix
Lanzado el 9 de marzo de 2010 en Estados Unidos, cuenta con 12 grabaciones inéditas de estudio,  incluyendo la canción homónima del álbum (una de las grabaciones de Hendrix más buscadas). 
 Los temas del álbum son en gran parte autoproducidas por Hendrix, y recibió la producción póstuma extra de Janie Hendrix (hermanastra de Jimi Hendrix), Eddie Kramer y John McDermott de Experience Hendrix, LLC . 
Grabado en 1969 tras la publicación de Electric Ladyland, en Valleys of Neptune predomina la formación original de The Jimi Hendrix Experience: el vocalista y guitarrista Jimi Hendrix, el bajista Noel Redding y el baterista Mitch Mitchell
 El primer sencillo lanzado del álbum fue "Valleys of Neptune" el 1 de febrero de 2010, seguido por "Bleeding Heart" el 1 de marzo;  para ambas canciones fueron producidos videos musicales.

Valleys Of Neptune de Jimi Hendrix








 

 

Historia del Rock



El 5 de julio de 1954

Un chofer de camioneta de 19 años de edad cambiaría el curso de la música y de la historia al entrar a un pequeño estudio de grabación en Memphis a realizar tres canciones. Entre esos tres temas que grabó un tal Elvis Aaron Presley se encontraba uno de nombre That's All Right, el cual marcaría el nacimiento no sólo de un nuevo género musical sino el de una forma de expresión artística, social y cultural, además de un estilo de vida: el rock and roll. 
Quién iba a pensar que aquella música que fusionaba el sonido country de los blancos y el rhythm and blues de los negros, seguiría vigente 50 años después –cuando en sus inicios no le daban más allá de cinco años de vida-, y que aquél joven nacido en Tupelo, Mississippi un 8 de enero de 1935, se convertiría nada menos que en el Rey del rock, además de en la figura más importante e influyente de la música popular en el Siglo XX.

A lo largo de estos 50 años, el rock ha sido dado por muerto y se ha levantado de las cenizas en varias ocasiones, pero al parecer las palabras dichas algún día por el Rey se convirtieron en una profesía: "No creo que (el rock and roll) muera alguna vez por completo, porque van a tener que hacer algo extraordinariamente bueno para que tome su lugar".



Rebeldes con causa. Los años 50
A pesar de que "oficialmente" se marca el nacimiento del rock and roll con la grabación That's all right, de Elvis Presley, históricamente tanto la música como el nombre surgieron poco tiempo antes. 
Para muchos historiadores, el amanecer del género se dio con la canción Rock around the clock, de Bill Haley and his comets, que fue grabada el 12 de abril de 1954 -tres meses antes que el Rey hiciera historia.
En tanto, el término "rock and roll" (expresión del slang de los negros para referirse al acto sexual) lo empezó a utilizar el locutor de radio Alan Freed en 1952 para definir algunas canciones que tocaba en su programa, como Rock the joint, precisamente de Bill Haley, y también en los festivales que empezaba a realizar donde presentaba grupos que interpretaban R&B.
Sin embargo, el hecho de considerar a Elvis como el creador, principal promotor y Rey del rock, tiene mucho que ver con su personalidad, con su voz, con su carisma y con lo que desde un inicio representó no sólo para la música sino para la cultura popular de entonces, rompiendo esquemas y trasgrediendo tradiciones morales y de conducta.
Pero no todo en la década de los 50 giró en torno a Elvis, pues el rock and roll vio nacer otras figuras importantes y trascendentales a los que les tocaría escribir capítulos muy importantes en el génesis de su historia.
Dentro de esa lista, que podría ser muy larga, destacan personajes básicos como Chuck Berry, Little Richard, Bo Didley, Buddy Holly, Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Roy OrbisonEdie Cochran y The Everly Brothers, entre muchos otros.
El auge de esta primera generación del rock and roll se dio hacia 1956-57, y sería el mismo Elvis el que marcaría su decadencia cuando en 1958 se enroló en el ejército de los Estados Unidos, donde permanecería hasta 1960. Si bien a su regreso su popularidad seguía por los cielos, su música dejó de tener esa carga de rebeldía y frescura con la que se identificaron años antes los jóvenes. El rock estaba listo para sufrir su primera metamorfosis.

 Elvis Presley
(Tupelo, EE UU, 1935 - Memphis, id., 1977) Cantante de rock and roll y actor estadounidense. Nacido en el seno de una familia modesta, el joven Elvis Presley se vio obligado a trabajar desde muy temprana edad. A los once años, y ante su insistencia, sus padres le regalaron su primera guitarra.
En 1948, su familia se trasladó a Memphis, uno de los centros de la actividad musical del país. 
Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años, el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, decidió editarle un single que contenía los temas That’s all right y Blue Moon of Kentucky. Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que comprendía trece estados.
En 1955, con su popularidad en aumento, Elvis Presley fichó por la discográfica RCA. El de 1956 fue un año clave para la trayectoria de Elvis, gracias al tema Heartbreak Hotel, del cual vendió trescientos mil ejemplares en tres semanas y acabó siendo el primero de sus discos de oro. También editó su primer elepé, titulado Elvis Presley, que alcanzó el millón de copias vendidas, y se comprometió por siete años con los estudios cinematográficos Paramount, ávidos de contratar a un ídolo juvenil emergente que ya por aquel entonces provocaba ataques de histeria entre las asistentes a sus conciertos.
Sus apariciones televisivas empezaron a ser habituales y las cantidades ingresadas por éstas alcanzaron cifras récord en la historia del medio. Paralelamente a su imparable ascenso a la fama mundial, algunos sectores conservadores de la sociedad estadounidense se opusieron con tesón tanto al personaje como a su música, que tildaban de pervertida e inmoral, en particular a raíz de su celebérrimo movimiento de cadera, cuyo impacto fue tan inmediato que el cantante recibió el apodo de Elvis Pelvis. 
En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores. 

En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años después.


En la segunda mitad de la década comenzó la «invasión británica» que protagonizaron grupos como The Beatles y que conllevó cierta erosión en la popularidad del cantante, agravada por una aparente crisis artística que se prolongó hasta 1968, cuando se le ofreció protagonizar un especial televisivo, que se convirtió en uno de los mayores éxitos de la historia de la pequeña pantalla.
Los primeros años de la década de 1970, sin embargo, supusieron para Elvis Presley un nuevo bache creativo, agravado por su adicción a las drogas y la reclusión en su mundo de fantasía particular en que se convirtió su mansión de Graceland. En 1973 se divorció de Priscilla Beaulieu y su imagen adquirió el tono claramente excesivo que caracterizó sus últimas apariciones: exagerado tupé, sobrepeso y trajes de cuero blanco con pedrería.
Tras caer inconsciente en varias ocasiones en el escenario, falleció oficialmente de un ataque al corazón, sin duda consecuencia de sus excesos. A pesar de su acelerado declive, Elvis Presley se ha convertido en un icono del siglo XX y en una de las figuras más relevantes de la historia de la música popular, como atestiguan sus más de cien discos de oro, platino y multiplatino.

Los años 60 

Fueron los mejores años de nuestros abuelos,padres o tíos de más de uno de nosotros, he escuchado historias super cómicas, una década de muchos cambios,que coincidió con el uso de las pastillas anticonceptivas en las mujeres,me imagino "los escándalos "de la época, con esa noticia, sobre todo las personas que son extremadamente puritanas y que desgraciadamente todavía existen.

No vivi la epóca,pero la guerra de Vietnam,los violentos disturbios en Estados Unidos debido a la discriminación racial,los disturbios en las universidades,la muerte Martin Luther King...honestamente no entiendo porque dicen que esa fue la mejor década.
La paz es algo imposible de lograr,asi es como lo veo.
Admiro las personas con ideales,pero tal parece que en este mundo siempre ganan los más malos.

Tal vez será por la liberación sexual,la pastilla anticonceptiva y la música,pero del resto me parece que fue una década de porquería.


Prendete,elevate,sintonizate
               

Luego de la decadencia de los primeros ídolos del rock and roll a finales de los años 50, la estafeta la tomaron los artistas de color, quienes a principios de los 60 pusieron a bailar a todo mundo con su sonido Motown, una celebración de R&B, soul y funk.

De esa oleada de artistas se recuerdan, entre muchos otros a The Supremes, The Marvelletes, The Shirelles, Marvin Gaye, Stevie Wonder y el padrino del funk, James Brown, que le dieron un nuevo sentido a la música pop con su frescura y alegría.


Pero bastaría con que la década dejara pasar cuatro años para que un nuevo movimiento, con dimensiones y repercusiones tan grandes como las del nacimiento del género, se presentara. Con la llamada "invasión inglesa" la música británica se hacía presente y, como ocurriría de ahí en adelante, demostraría que a partir de ahí irían siempre un paso adelante a lo que se creara en Estados Unidos.


Entonces el mundo entero vibró a ritmo de The Kinks, The Animals, The Who, The Zombies, The Shadows, The Hollies y, por supuesto, con The Beatles y The Rolling Stones, las dos bandas más importantes e influyentes en la historia del rock. 



En tanto, en Estados Unidos la respuesta llegaría unos años después, cuando pasada la mitad de la década el rock ácido y la psicodelia se apoderaría de la escena y traería un nuevo movimiento al rock, quizá el más trascendente y de gran repercusión social y cultural. 

Luego de que Bob Dylan decidiera dejar un poco el folk y electrificar su música, una gran generación de bandas estadounidenses empezaron a crear un movimiento que años más tarde, en 1969, desembocaría en la llamada “nación Woodstock”, un festival de tres días de duración que convocó a cerca de medio millón de personas.

De esa generación destacan Jimi Hendrix (considerado como el mejor guitarrista de rock de todos los tiempos), Janis Joplin, The Doors, The Jefferson Airplane, The Greateful Dead, The Byrds, Country Joe & The Fish, y una serie de grupos provenientes principalmente de la Costa Oeste de los Estados Unidos.( De toda esa lista me quedo con Jimi Hendrix!)





Con el Festival de Woodstock, realizado en Woodstock, Nueva York en 1969, esa generación del "peace and love" vivió su momento utópico, su punto álgido, pero a la vez marcó el inicio del fin, que ocurrió meses más tarde con el concierto gratuito que The Rolling Stones ofrecieron en Altamount, California, en donde un joven de raza negra fue cruelmente acribillado y asesinado por la pandilla de los Hell's Angels, paradójicamente contratados por los Stones para encargarse de la seguridad. 


El sueño había terminado. 





El festival de Woodstock de 1969 fue seguramente uno de los eventos más representativos por el ingenio colectivo acarreado a la música de los años 60 y al movimiento flower power


En éste contexto, la actuación de Jimi Hendrix se convirtió en un verdadero y propio símbolo del festival, además del pensamiento pacifista de aquellos años. La exhibición del guitarrista estaba programada para el cierre del evento, la noche del 18 de agosto de 1969, tercero y último de aquellos "tres días de paz, amor y música". A causa de problemas técnicos y logísticos que se verificaron, por no contar con la violenta lluvia que se abatió sobre la zona en mitad del segundo día (durante la actuación de los pioneros en improvisar en el rock, Grateful Dead), su presentación debió ser reprogramada para la mañana siguiente.

 La inmensa cantidad de fans de los tres días anteriores (más de 500.000 espectadores) se había reducido considerablemente y Hendrix terminó cerrando el recital delante de una audiencia (respetable pero decididamente inferior a las expectativas) de aproximadamente 180.000 espectadores, exhaustos y en muchos casos incluso distraídos y desganados.



El guitarrista se presentó sobre el palco con una formación inédita, anunciada por el presentador como Jimi Hendrix Experience, pero rápidamente vuelta a presentar por el mismo Hendrix como Gipsy Sun and Rainbows: prosiguió una exhibición de dos horas (en absoluto entre las más largas de su carrera). 
El hecho que más sobresalió en aquella histórica exhibición, fue la celebérrima transfiguración guitarrística operada sobre el tema The Star-Spangled Banner, himno de los Estados Unidos; Hendrix interpretó el tema en una manera salvaje mezclándolo con feroces simulaciones sonoras de bombardeos y ametrallamientos sobre los barrios de Vietnam, sirenas anti-aéreas y otros ruidos de batalla, todo únicamente usando su guitarra.

De lo que he visto de Woodstock,lo mejor para mi fue Jimi Hendrix y Carlos Santana...


The Beatles marcaron una diferencia importante,su música perdurara por siempre y ellos siempre serán inspiración para muchos, para mi es a partir de esta década donde se inicia todo.




"El sueño ha terminado". 

Con esta frase que se incluye en la canción God, de John Lennon, da inicio la década de los años 70 en el rock. Luego del festín experimentado en el decenio anterior, el nuevo no pintaba nada bien y desde el mismo amanecer se daban muestras de ello.

Jimi Hendrix y Janis Joplin, dos símbolos de la generación de los 60, mueren en 1970 a causa de una sobredosis. En ese mismo años, Paul McCartney anuncia oficialmente la separación de The Beatles, el grupo que, como alguna vez dijera Lennon, era casi tan popular como Jesucristo. Un año más tarde, en 1971, Jim Morrison, cantante de The Doors y uno de los principales iconos visuales y sex symbols de la historia del rock, muere también de sobredosis.

Con esos  malos augurios, la primera mitad de la década el rock experimenta su masificación y el establecimiento de la parafernalia visual en grandes escalas en los conciertos. Led Zeppelin reinará a lo largo de la década, y de tras de ellos vendrán The Rolling Stones y Pink Floyd, con espectáculos realmente impresionantes.

El heavy metal, el hard rock y el glam rock se apoderan del gusto de las masas a lo largo de la primera mitad de la década, por lo que grupos como Deep Purple, Black Sabbath, Queen, Kiss, Bad Company viven sus momentos de gloria.

                     
Sin embargo, toda esa masificación, glamour, parafernalia visual y, en el caso del rock progresivo, virtuosismo, aleja al rock de sus raíces callejeras y de rebeldía, por lo que los jóvenes ya no encuentran una identificación y una bandera en él.


 Es entonces que en los suburbios neoyorquinos surge el punk, derivado del rock que retoma esa rebeldía, acompañada con una dosis de anarquismo, hedonismo y politización, que lo convierten en otro de los momentos trascendentales en la historia del género.

El punk nace en Nueva York engendrado por los ahora míticos The Ramones, pero los ingleses The Sex Pistols lo llevan al extremo. Otras bandas de notoria trascendencia son The Clash, The Damn, Generation X, The Misfits y Black Flag.

Así, mientras el rock estaba en una abismo y la música disco reinaba en las listas de popularidad, el último gran movimiento del género se hacía presente.




Al igual que su antecesora, la década de los 80 inicia con muertes y separaciones. 
John Lennon, líder y fundador de los Beatles, activista político y social es asesinado afuera de su departamento en Nueva York el 8 de diciembre de 1980. El mundo entero lo llora, la canción Imagine suena por todo el globo terráqueo y el rock y la cultura popular occidental están de luto.

John Bonham, baterista de Led Zeppelin, muere por una congestión alcohólica el 25 de 1980; meses más tarde, Jimmy Page anuncia la separación del grupo.




 Bob Marley, máxima figura de la música reggae, muere el 11 de mayo de 1981 víctima del cáncer. 

The Eagles, uno de los grandes grupos de country-rock de los años 70 anuncian su separación en mayo de 1982, dicen que sólo se reunirán "hasta que el infierno se congele" (cosa que "sucedería" en la primavera de 1994, cuando se juntaron nuevamente).

La década de los 80 se caracterizó por la amplia diversidad de música en estilos, propuestas, formas y estética, gracias al nacimiento de varios subgéneros del rock (new wave, post-punk, techno, dark, electrónico, rap, breakdance, dark metal, new romantic...), que se fueron incorporando a la escena a lo largo del decenio, algunos con características masivas, en cuanto a su exposición, otros más bien subterráneos o alternativos.
Dentro de la primera mitad de la década destacaría un trío británico nacido del punk pero que había evolucionado y transformado su sonido: 

The Police, que con su mezcla de rock, reggae y jazz se convirtió en la mejor banda del mundo, hasta que se separaron en 1985, justo cuando experimentaban su punto más alto, artística y comercialmente hablando. 
                                               
Ante la desintegración de The Police quienes toman la estafeta son los irlandeses de U2, que para finales de los 80 ya se habían convertido en el grupo más importante de rock del mundo, a niveles de los grandes como The Beatles, The Rolling Stones, Led Zeppelin, entre otros.

Talking Heads, Simple Minds, The Pretenders, XTC, Men an Work, Madness, The Cars, The Cure, The Smiths, Bauhaus, Depeche Mode, Tears For Fears, OMD, Pet Shop Boys, Ultravox, Duran Duran son tan sólo algunos de los muchos protagonistas de la década. 


Un par de años antes de que se extinguieran los 80, una banda de Los Ángeles llegaría a darle una nueva inyección de vitalidad al rock: Guns N' Roses, que con su hard rock, su apariencia entre glam y desaliñada, la personalidad de su cantante Axl Rose y su disco debut, Apettite for destruction, conquistaron el mundo entero.



Si en la década de los 80 se experimentó la diversificación, los 90 fueron el decenio de la tecnología en la música en general. La implementación de nuevas técnicas de grabación y el uso de computadoras fueron elementos que se hicieron básicos en la producción musical.

Los 90 empezaron con lo que puede considerarse como el último gran movimiento en el rock: el grunge, que a su vez arrojaría al último mártir del  
género: Kurt Cobain.
En una situación un tanto similar al nacimiento del punk a finales de los 70, a finales de lo 80 se empezó a gestar en Seattle un movimiento que musicalmente conjuntaba la potencia y fiereza del punk y el heavy metal, e ideológicamente transmitía un mensaje de indiferencia, introspección y aislamiento, ante lo que ocurría en la sociedad estadounidense y en el mundo en general. 


De ese movimiento destacaron principalmente dos bandas: Nirvana, y Pearl Jam, pero sería la primera la que marcaría a toda una generación con su tema Smells like teen spirit y su disco Nevermind, pero también por su cantante, Kurt Cobaín, que se convertiría, al igual que lo hicieran en su momento Morrison, Hendrix, Janis, en el héroe y mártir de ese momento al quitarse la vida el 5 de abril de 1994.
Como respuesta, los británicos revivieron aquella oleada de Britpop de los años 60, y en esta ocasión abanderados por grupos como Oasis, Blur, Radiohead, Supergrass, Pulp, The Verve, a mediados de la década le dieron un nuevo sentido y dirección al rock. 


De estas bandas, Oasis y Blur fueron las que encabezaron en movimiento, pero sería Radiohead el que a finales de la década dejara uno de los testimonios más celebrados artísticamente en la historia del rock con su disco O.K. computer, en donde consiguieron un admirable equilibrio entre el uso de la tecnología con el rock en su forma básica.

La década cerraría con la presencia de grupos del llamado rap metal como Korn, Limp Bizkit, Deftones, Stain, P.O.D, que a pesar de tener una gran cantidad de seguidores, principalmente en su natal Estados Unidos, no pudieron competir con el pop adolescente de Britney Spears, Backstreet Boys, Christina Aguilera, 'N Sync y similares, que se posesionaría de las listas de venta.

La llegada del nuevo milenio traería consigo otro resurgimiento del rock, con grupos como The Strokes, The White Stripes, Yeah Yeah Yeahs, The Libertines, The Vines, The Hives, que retomando elementos musicales y estéticos de finales de los años 70 y principio de los 80 le regresarían la simpleza, armonía y actitud que había perdido este género que desde que nació estaba destinado a quedarse por siempre, y que ahora a sus 50 años de edad demuestra que sigue siendo un rebelde como en sus mejores años.


Continua, con algunos de los subgéneros del rock,el heavy-metal,power metal,pop-rock...